2025 年 5 月 在舊金山的熱門活動（7 月更新）

六十年來，日本藝術家草間彌生一直在探索“無限房間”的概念。這些對感知、宇宙和存在本身的思考結合了大膽的色彩、三維形式和鏡子生成的視錯覺，將觀眾帶入一個包羅萬象的美學宇宙。它們已經成為一種世界性的現象——在“草間彌生：無限的愛”展覽中，它們首次登陸舊金山，包括全新的《地球球體之夢》《我願意獻上我的愛》（2023）和著名的《愛在呼喚》（2013）等特色作品將於舊金山現代藝術博物館展出。

作為20世紀日本書法的先驅，篠田桐光（1913-2021）以其獨特而充滿活力的風格重塑了水墨抽象藝術。 篠田研習傳統書法，但很快便摒棄了臨摹前輩大師的做法，稱其為“偽作”。篠田的內心是一位書法家，她更喜歡平版印刷而非木版印刷，因為平版印刷讓她能夠直接將筆觸印在版面上，捕捉每一筆的細微差別。 篠田從繪製清晰易讀的漢字轉向前衛抽象藝術，最初在日本遭遇阻力，並於1956年移居紐約。“我想看看我的作品在異國他鄉會受到怎樣的反響，”她後來回憶道，“在那裡，文字不會被當做文字來讀。”在她107年的人生中，這位藝術家始終不渝地追求著自己對美的理解，擺脫傳統的束縛。

六十年來，日本藝術家草間彌生一直在探索“無限房間”的概念。這些對感知、宇宙和存在本身的思考結合了大膽的色彩、三維形式和鏡子生成的視錯覺，將觀眾帶入一個包羅萬象的美學宇宙。它們已經成為一種世界性的現象——在“草間彌生：無限的愛”展覽中，它們首次登陸舊金山，包括全新的《地球球體之夢》《我願意獻上我的愛》（2023）和著名的《愛在呼喚》（2013）等特色作品將於舊金山現代藝術博物館展出。

餐桌禮儀彙集了舊金山現代藝術博物館建築與設計部門近 100 年的餐具、扁平餐具和飲具。展覽頌揚了設計如何塑造我們與食物、身體和社區的關係，以及用餐如何成為一種深刻的社區和文化體驗。從用茶製成的自灌裝酒杯和茶壺，到用廢棄 CD 製成的清爽現代主義勺子和扁平餐具，餐桌禮儀探索了用餐的表現。展覽包括 Virgil Abloh、Joe Colombo、Zaha Hadid、Roberto Lugo 等人的作品，並配有 Lucy Stark 的插圖和紡織品。

餐桌禮儀彙集了舊金山現代藝術博物館建築與設計部門近 100 年的餐具、扁平餐具和飲具。展覽頌揚了設計如何塑造我們與食物、身體和社區的關係，以及用餐如何成為一種深刻的社區和文化體驗。從用茶製成的自灌裝酒杯和茶壺，到用廢棄 CD 製成的清爽現代主義勺子和扁平餐具，餐桌禮儀探索了用餐的表現。展覽包括 Virgil Abloh、Joe Colombo、Zaha Hadid、Roberto Lugo 等人的作品，並配有 Lucy Stark 的插圖和紡織品。

作為20世紀日本書法的先驅，篠田桐光（1913-2021）以其獨特而充滿活力的風格重塑了水墨抽象藝術。 篠田研習傳統書法，但很快便摒棄了臨摹前輩大師的做法，稱其為“偽作”。篠田的內心是一位書法家，她更喜歡平版印刷而非木版印刷，因為平版印刷讓她能夠直接將筆觸印在版面上，捕捉每一筆的細微差別。 篠田從繪製清晰易讀的漢字轉向前衛抽象藝術，最初在日本遭遇阻力，並於1956年移居紐約。“我想看看我的作品在異國他鄉會受到怎樣的反響，”她後來回憶道，“在那裡，文字不會被當做文字來讀。”在她107年的人生中，這位藝術家始終不渝地追求著自己對美的理解，擺脫傳統的束縛。

台灣先鋒藝術家袁廣鳴（1965 年生於台北）的近期作品將個人化為普遍化，他用充滿詩意的影像和裝置藝術審視當代生活的碎片化和超現實主義。 袁廣鳴的作品以冷漠、冷漠的數字視角，捕捉全球和國內不安的悽美場景。從台灣一年一度的空襲演習期間空盪盪的街道上詭異的寂靜，到自家客廳爆炸後的混亂場面，這位藝術家捕捉到的瞬間與全球當前的生活狀況產生共鳴。

本次展覽是杉浦邦実（Kunié Sugiura）作品在美國的首次回顧展。這位藝術家對攝影媒介的探索跨越了六十餘年，突破了傳統界限。杉浦邦実1942年出生於日本名古屋，1963年來到美國，就讀於芝加哥藝術學院，主修攝影。畢業後，她移居紐約，並一直居住至今。 杉浦邦実的創作融合了多種媒介，展現了她的雙重文化身分。她的作品以平衡二元論——日美、有機/人造、繪畫/攝影——為特色。她曾表示，她將攝影與繪畫和雕塑進行交叉融合，部分源於她希望攝影作為一種藝術形式得到重視的願望。

1932 年，奧克蘭的一次聚會上的對話改變了攝影史。在那次聚會上，幾位如今已成為灣區標誌性人物的攝影師——包括安塞爾·亞當斯、伊莫金·坎寧安和愛德華·韋斯頓——聯合起來成立了 f.64 小組，這是一個致力於“真實”攝影和拒絕模仿繪畫的畫意主義的集體。該小組的名稱是技術性的，指的是允許最大景深的相機鏡頭設置，但他們的使命是創造性的：拍攝出清晰度和美感驚人的照片，與其他媒介的藝術作品相媲美。儘管 f.64 小組存在不到一年，但它的遺產經久不衰，標誌著灣區成為現代主義攝影的中心。

1932 年，奧克蘭的一次聚會上的對話改變了攝影史。在那次聚會上，幾位如今已成為灣區標誌性人物的攝影師——包括安塞爾·亞當斯、伊莫金·坎寧安和愛德華·韋斯頓——聯合起來成立了 f.64 小組，這是一個致力於“真實”攝影和拒絕模仿繪畫的畫意主義的集體。該小組的名稱是技術性的，指的是允許最大景深的相機鏡頭設置，但他們的使命是創造性的：拍攝出清晰度和美感驚人的照片，與其他媒介的藝術作品相媲美。儘管 f.64 小組存在不到一年，但它的遺產經久不衰，標誌著灣區成為現代主義攝影的中心。

Vikrant Bhise 的“檔案史實”系列作品充滿革命精神，為“達利特黑豹黨”（Dalit Panthers）提供了一個充滿活力的視覺檔案。該組織致力於為印度最受壓迫和邊緣化的群體爭取擺脫種姓、性別和勞動不平等的自由。達利特黑豹黨於 1972 年在孟買成立，其靈感源自奧克蘭的黑豹自衛黨，力求與灣區的同胞攜手，共同為平等和社會變革而奮鬥。 Bhise 的作品風格細膩，明信片大小，由多層構成：來自宣言和小冊子的繪畫和印刷元素與報紙圖片、城市紀念碑和象徵性漫畫相互交織、交織疊加。這些作品以連續的序列形式橫跨畫廊的一面牆，選自正在進行的系列，“喚起那些細小的、地方化的經歷，這些經歷匯聚成了全球性的運動，同時也凸顯了黑豹黨呼籲平等的持久意義，”馬拉瓦利家族基金會印度次大陸藝術副策展人帕德瑪·多傑·梅特蘭（Padma Dorje Maitland）說道。本次展覽是他們首次在大型博物館展出。

Vikrant Bhise 的“檔案史實”系列作品充滿革命精神，為“達利特黑豹黨”（Dalit Panthers）提供了一個充滿活力的視覺檔案。該組織致力於為印度最受壓迫和邊緣化的群體爭取擺脫種姓、性別和勞動不平等的自由。達利特黑豹黨於 1972 年在孟買成立，其靈感源自奧克蘭的黑豹自衛黨，力求與灣區的同胞攜手，共同為平等和社會變革而奮鬥。 Bhise 的作品風格細膩，明信片大小，由多層構成：來自宣言和小冊子的繪畫和印刷元素與報紙圖片、城市紀念碑和象徵性漫畫相互交織、交織疊加。這些作品以連續的序列形式橫跨畫廊的一面牆，選自正在進行的系列，“喚起那些細小的、地方化的經歷，這些經歷匯聚成了全球性的運動，同時也凸顯了黑豹黨呼籲平等的持久意義，”馬拉瓦利家族基金會印度次大陸藝術副策展人帕德瑪·多傑·梅特蘭（Padma Dorje Maitland）說道。本次展覽是他們首次在大型博物館展出。

台灣先鋒藝術家袁廣鳴（1965 年生於台北）的近期作品將個人化為普遍化，他用充滿詩意的影像和裝置藝術審視當代生活的碎片化和超現實主義。 袁廣鳴的作品以冷漠、冷漠的數字視角，捕捉全球和國內不安的悽美場景。從台灣一年一度的空襲演習期間空盪盪的街道上詭異的寂靜，到自家客廳爆炸後的混亂場面，這位藝術家捕捉到的瞬間與全球當前的生活狀況產生共鳴。

昌迪加爾藝術家古爾吉特·辛格在美國機構的首次個展，以動人的方式探討了語言的情感沖擊。作品《淚眼》是一件由衣服碎片縫製而成的柔軟雕塑。儘管作品表面俏皮多彩，卻傳達出一種深層的脆弱感；隨著我們在繪畫作品《尖刻的言語》中看到激烈的言語交鋒，這種感受愈發深刻。辛格與人物的肖像畫進一步提升了展覽的個性化。 “這些作品探索了被看見的意義、表達自我的意義，以及語言塑造我們和摧毀我們的力量，”展覽策展人、馬拉瓦利家族基金會印度次大陸藝術副策展人帕德瑪·多傑·梅特蘭說道。“即使我們接受自我並充滿自信，在錯誤的時間說出錯誤的詞語也會對我們產生深遠的影響。無論是錫克教徒、南亞裔、酷兒群體、軟弱的還是強硬的，辛格的作品都探討了塑造我們在世間形象的複雜挑戰。”

昌迪加爾藝術家古爾吉特·辛格在美國機構的首次個展，以動人的方式探討了語言的情感沖擊。作品《淚眼》是一件由衣服碎片縫製而成的柔軟雕塑。儘管作品表面俏皮多彩，卻傳達出一種深層的脆弱感；隨著我們在繪畫作品《尖刻的言語》中看到激烈的言語交鋒，這種感受愈發深刻。辛格與人物的肖像畫進一步提升了展覽的個性化。 “這些作品探索了被看見的意義、表達自我的意義，以及語言塑造我們和摧毀我們的力量，”展覽策展人、馬拉瓦利家族基金會印度次大陸藝術副策展人帕德瑪·多傑·梅特蘭說道。“即使我們接受自我並充滿自信，在錯誤的時間說出錯誤的詞語也會對我們產生深遠的影響。無論是錫克教徒、南亞裔、酷兒群體、軟弱的還是強硬的，辛格的作品都探討了塑造我們在世間形象的複雜挑戰。”

本次展覽是杉浦邦実（Kunié Sugiura）作品在美國的首次回顧展。這位藝術家對攝影媒介的探索跨越了六十餘年，突破了傳統界限。杉浦邦実1942年出生於日本名古屋，1963年來到美國，就讀於芝加哥藝術學院，主修攝影。畢業後，她移居紐約，並一直居住至今。 杉浦邦実的創作融合了多種媒介，展現了她的雙重文化身分。她的作品以平衡二元論——日美、有機/人造、繪畫/攝影——為特色。她曾表示，她將攝影與繪畫和雕塑進行交叉融合，部分源於她希望攝影作為一種藝術形式得到重視的願望。

本次展覽將重點呈現四位傑出的20世紀韓國當代陶瓷藝術家的陶藝創作，為觀眾提供難得的機會一睹館藏當代韓國陶瓷的風采。他們各自傳承著各自的創作脈絡，展現了根植於韓國悠久陶瓷傳承的創新精神。 一方面，盧敬祖（生於1951年）、金世滿（生於1958年）和尹光祖（生於1946年）的炻器和瓷器作品中生動活潑的表面紋理，為傳統的大理石紋和釉彩技法帶來了新的詮釋。展覽策展人兼韓國藝術助理策展人崔允智指出：“金世滿和尹光祖作品中的核心裝飾——粉青（분청）——是韓國陶瓷最具創新性的技法之一；兩位藝術家通過探索韻律感和自發性，將這一傳統技法發揚光大。” 正對面是三根光滑的黑色甕器（옹기）柱，這些甕器是趙忠鉉（生於1940年）的作品——甕器是歷史上用來盛放泡菜等發酵食品的器皿。這些引人入勝的作品與人同高，每一件都彷彿擁有獨特的個性，並通過形狀和尺寸的微妙變化來傳達。

本次展覽將重點呈現四位傑出的20世紀韓國當代陶瓷藝術家的陶藝創作，為觀眾提供難得的機會一睹館藏當代韓國陶瓷的風采。他們各自傳承著各自的創作脈絡，展現了根植於韓國悠久陶瓷傳承的創新精神。 一方面，盧敬祖（生於1951年）、金世滿（生於1958年）和尹光祖（生於1946年）的炻器和瓷器作品中生動活潑的表面紋理，為傳統的大理石紋和釉彩技法帶來了新的詮釋。展覽策展人兼韓國藝術助理策展人崔允智指出：“金世滿和尹光祖作品中的核心裝飾——粉青（분청）——是韓國陶瓷最具創新性的技法之一；兩位藝術家通過探索韻律感和自發性，將這一傳統技法發揚光大。” 正對面是三根光滑的黑色甕器（옹기）柱，這些甕器是趙忠鉉（生於1940年）的作品——甕器是歷史上用來盛放泡菜等發酵食品的器皿。這些引人入勝的作品與人同高，每一件都彷彿擁有獨特的個性，並通過形狀和尺寸的微妙變化來傳達。